我在法国南部的阿尔皮尤 (Alpilles) 中心开始雕塑生涯，师从我的导师科斯塔·库朗蒂亚诺斯 (Costa Coulentianos)。在最初学习金属雕塑之后，我逐渐朝着与我对自然承诺相一致的创作方向发展。以下是我这一旅程中精选的几件作品。
太阳喷泉
Patrice Stellest 的《太阳喷泉，宇宙的喷泉》(Fontaine Solaire, Cosmica) 是艺术家旅程中的一件关键作品，标志着他从探索宇宙艺术向与自然的共生承诺的转变。这幅既复杂又富有远见的画作勾勒出了向一种新艺术表达形式的转变轮廓，在这种形式中，技术与自然和谐共存。
作品由尖锐而动态的几何形状主导，唤起了未来派建筑结构的联想，同时保留了有机的流动性。这些形状类似于光芒四射或水晶的爆发，象征着太阳能，这是构想中的喷泉的核心元素。这些既刚硬又优雅的形式展示了自然与技术的融合，这也是Stellest作品中反复出现的主题。它们反映了受控的、引导的能量，依然充满生机，随时准备为创造提供动力，支持一个永恒的运动。
使用的颜色主要是蓝色、紫色和黑色的色调，为作品赋予了一种宇宙维度，唤起了宇宙的浩瀚，同时保持在一个地球现实中。这些色调创造出光与影的游戏，为构图注入了生机，暗示着阳光下水面闪烁的基本元素，这是 Stellest 所构想的太阳喷泉的核心。
尽管喷泉本身以抽象形式呈现，但其组件的和谐排列使其与众不同。它似乎从纸面上升起，准备涌现并履行其作为永久水源的角色。这种持续流动、不断的能量通过重复的圆形图案和向上延伸的线条具体化，象征着水的流动以及朝向更高意识的升华。
超越其美学吸引力，这幅画体现了一种深刻的哲学视野：艺术不再仅仅是沉思的，而是与其环境互动，从自然中汲取力量，同时尊重其平衡。在这里，太阳喷泉成为这种互动的隐喻，是一种可持续性的模型，在这种模型中，自然能量被用于创造一个自我维持的生命循环。
通过将太阳能融入作品，Stellest迈出了他所称的“与自然共存的艺术”的大胆一步，这一概念超越了单纯的表现，拥抱了人类与环境之间真正的合作。因此，《太阳喷泉，宇宙的喷泉》不仅仅是一幅画，它是一个视觉宣言，展望未来，在这里，艺术、技术与自然交汇，创造出一些新的、永恒的和深具和谐感的事物。
这件作品预示着Stellest未来的发展，他继续在自然力量与人类表达之间寻找平衡，始终受到人类在宇宙中位置的宇宙视野的指引。
作品由尖锐而动态的几何形状主导，唤起了未来派建筑结构的联想，同时保留了有机的流动性。这些形状类似于光芒四射或水晶的爆发，象征着太阳能，这是构想中的喷泉的核心元素。这些既刚硬又优雅的形式展示了自然与技术的融合，这也是Stellest作品中反复出现的主题。它们反映了受控的、引导的能量，依然充满生机，随时准备为创造提供动力，支持一个永恒的运动。
使用的颜色主要是蓝色、紫色和黑色的色调，为作品赋予了一种宇宙维度，唤起了宇宙的浩瀚，同时保持在一个地球现实中。这些色调创造出光与影的游戏，为构图注入了生机，暗示着阳光下水面闪烁的基本元素，这是 Stellest 所构想的太阳喷泉的核心。
尽管喷泉本身以抽象形式呈现，但其组件的和谐排列使其与众不同。它似乎从纸面上升起，准备涌现并履行其作为永久水源的角色。这种持续流动、不断的能量通过重复的圆形图案和向上延伸的线条具体化，象征着水的流动以及朝向更高意识的升华。
超越其美学吸引力，这幅画体现了一种深刻的哲学视野：艺术不再仅仅是沉思的，而是与其环境互动，从自然中汲取力量，同时尊重其平衡。在这里，太阳喷泉成为这种互动的隐喻，是一种可持续性的模型，在这种模型中，自然能量被用于创造一个自我维持的生命循环。
通过将太阳能融入作品，Stellest迈出了他所称的“与自然共存的艺术”的大胆一步，这一概念超越了单纯的表现，拥抱了人类与环境之间真正的合作。因此，《太阳喷泉，宇宙的喷泉》不仅仅是一幅画，它是一个视觉宣言，展望未来，在这里，艺术、技术与自然交汇，创造出一些新的、永恒的和深具和谐感的事物。
这件作品预示着Stellest未来的发展，他继续在自然力量与人类表达之间寻找平衡，始终受到人类在宇宙中位置的宇宙视野的指引。
太阳头
Patrice Stellest 的雕塑《太阳头》(Solar Head) 是一件充满远见的作品，源于与物理学家伯纳德·吉顿 (Bernard Gitton) 的合作，体现了艺术、技术与自然之间的互动。创作于1990年代初，它成为那个时代的标志性作品，当时太阳能仍处于萌芽阶段，代表着一个充满希望但遥不可及的技术梦想。Stellest以一种既诗意又大胆的姿态，捕捉了这一乌托邦，并将其转化为一种有形的、几乎是有生命的作品。
这件雕塑由多种材料制成——木材、金属和电子电路——似乎唤起了一个头部、头盔或未来主义的胸像。其线条既坚固又有机，暗示人类与机器之间的混合，展现出两者和谐共存的愿景。几何形状以黑色、白色和蓝色绘制，回忆起构成主义的抽象图案，但在这里，它们被重新赋予以表达从太阳中收获的新能量。
《太阳头》之所以特别引人入胜，在于它的功能性。它配备了太阳能电池板和蓝色LED灯，白天充电，夜间发光，像一棵闪耀的树，像一只萤火虫。这种将阳光转化为夜间可见能量的能力使其成为一件动感十足的作品，与环境保持着持续的互动。
雕塑中的元素，如拉紧的电缆、圆盘和线圈，唤起了既古老又未来的机制，仿佛Stellest从一个想象的过去中汲取灵感，预测一个与自然平衡的未来。雕塑坚固而圆形的基座支撑着这一复杂的整体，突显出与大地的锚定与连接的概念。
Stellest与超现实主义摄影师多拉·玛尔 (Dora Maar) 在她去世前不久的电话交谈，为这件作品增添了情感维度。玛尔对《太阳头》概念的着迷证明了这座雕塑超越世代和艺术运动的永恒吸引力。
总之，《太阳头》是对可持续创新的颂歌，见证了艺术在借鉴技术进步的同时，深深根植于对人类与其环境互动的反思之中。通过这座雕塑，Stellest不仅仅是表现一个理念；他将其具象化，使其成为实实在在的存在，并且，最重要的是，赋予它生命。
这件雕塑由多种材料制成——木材、金属和电子电路——似乎唤起了一个头部、头盔或未来主义的胸像。其线条既坚固又有机，暗示人类与机器之间的混合，展现出两者和谐共存的愿景。几何形状以黑色、白色和蓝色绘制，回忆起构成主义的抽象图案，但在这里，它们被重新赋予以表达从太阳中收获的新能量。
《太阳头》之所以特别引人入胜，在于它的功能性。它配备了太阳能电池板和蓝色LED灯，白天充电，夜间发光，像一棵闪耀的树，像一只萤火虫。这种将阳光转化为夜间可见能量的能力使其成为一件动感十足的作品，与环境保持着持续的互动。
雕塑中的元素，如拉紧的电缆、圆盘和线圈，唤起了既古老又未来的机制，仿佛Stellest从一个想象的过去中汲取灵感，预测一个与自然平衡的未来。雕塑坚固而圆形的基座支撑着这一复杂的整体，突显出与大地的锚定与连接的概念。
Stellest与超现实主义摄影师多拉·玛尔 (Dora Maar) 在她去世前不久的电话交谈，为这件作品增添了情感维度。玛尔对《太阳头》概念的着迷证明了这座雕塑超越世代和艺术运动的永恒吸引力。
总之，《太阳头》是对可持续创新的颂歌，见证了艺术在借鉴技术进步的同时，深深根植于对人类与其环境互动的反思之中。通过这座雕塑，Stellest不仅仅是表现一个理念；他将其具象化，使其成为实实在在的存在，并且，最重要的是，赋予它生命。
Thomas Kellner
斯泰尔象
Patrice Stellest 的雕塑《斯泰尔象》(Stellephant) 是与物理学家伯纳德·吉顿 (Bernard Gitton) 合作创作的一座雕塑，作为一座既批判又诗意的纪念碑：由四个象征性塔楼构成，直面历史的残酷、环境的破坏和自然的不屈抗争。
故事与悲伤的集合
这座雕塑由四座细长的塔楼构成，每座塔楼都向天空伸展，仿佛超越了它所承载的历史的重压。这些塔楼由各种古怪但经过精心挑选的物品构成，讲述了殖民暴力、无情猎杀以及生灵的苦难，同时突显出一种尽管遭受摧残仍拒绝沉默的自然。
塔楼一：过去的负担
第一座塔楼上，行李箱被固定在手推车上，堆积着步枪和其他与狩猎相关的物品，唤起了上个世纪猎杀大象的装备。这些行李箱承载着沉重的历史，象征着殖民化的负担，期间大象只是被利用的资源，它们的象牙成为奖杯或春药，尤其在亚洲备受珍视。此塔楼批判了人类的贪婪，欲望与支配为破坏壮丽物种辩护。积累的物品如同来自往昔时代的遗物，依然存在于我们的意识中，提醒我们这种剥削依然在继续，以新的经济殖民主义形式复苏。
塔楼二：被迫迁徙
在第二座塔楼的顶部，一只大象——“斯泰尔象”——稳稳地站在两个行李箱上，行李箱又置于一张很高的桌子上。这一强大的意象是大象的隐喻，它们像土著人民一样被迫迁徙，离开家园进入被限制的保护区。行李箱唤起了旅行与流亡的感受，象征着一种持续的位移状态，永远无法真正定居。作为雕塑的核心形象，斯泰尔象不仅代表这种被迫流亡，也象征着那些尽管被边缘化却依然为生存而斗争的尊严与韧性。近年来，大象对人类日益增强的攻击性在此被象征为对其栖息地侵占的绝望回应。
塔楼三：暴力的记忆
第三座塔楼上，二战的审讯椅引入了更直接的暴力元素。旋转的轮子激活高度敏感的麦克风，成为记忆的隐喻，展示暴力行为是如何被记录、捕捉，但又在时间中扭曲的。这把椅子作为一种酷刑与屈服的工具，成为痛苦记忆的座椅，每一次轮子的转动、每一次捕捉的声音，都是人类残酷的提醒。此塔楼暗示对自然施加的暴力也是对我们人性的暴力，这种暴力留下了不可磨灭的痕迹。
塔楼四：反抗的呐喊
第四座塔楼将捕捉到的声音复苏，转化为从斯泰尔象发出的反抗呐喊。通过一台旧收音机重新激活录制的声波，使大象能够鸣叫，被听到，主张其存在的权利。这一呐喊通过技术的放大，成为自然的抵抗隐喻，表明自然不会在不表达其痛苦的情况下被消灭。1930 年代的收音机，外观陈旧磨损，象征着这些声音与呐喊在不同年代中的持久性，如同一个拒绝消失的回声。
互动与参与的作品
《斯泰尔象》不仅仅是一件供人观赏的雕塑；它是一件积极与观众互动的作品。红色二极管、复苏的声音、熟悉但又转变的物体——这件雕塑中的一切都是为了挑衅、使观者停下思考。Stellest 利用拼贴不仅创造了一个简单的物品拼贴，而是构建了一个跨越时代与文化的复杂沉浸叙事。这是对殖民遗产的尖锐批判，是对人类在自然中位置的反思，是对集体责任的呼吁，以保护我们自然世界所剩无几的部分。
因此，《斯泰尔象》是一件扎根于过去并面向未来的作品，它提醒我们为自然生存的斗争也是我们人类生存的斗争。Stellest将他的生态关切与艺术才华结合，使这座雕塑成为一幅活生生的壁画，是对大象，以及由此延伸至整个自然的无声却强大的抵抗的纪念碑。
故事与悲伤的集合
这座雕塑由四座细长的塔楼构成，每座塔楼都向天空伸展，仿佛超越了它所承载的历史的重压。这些塔楼由各种古怪但经过精心挑选的物品构成，讲述了殖民暴力、无情猎杀以及生灵的苦难，同时突显出一种尽管遭受摧残仍拒绝沉默的自然。
塔楼一：过去的负担
第一座塔楼上，行李箱被固定在手推车上，堆积着步枪和其他与狩猎相关的物品，唤起了上个世纪猎杀大象的装备。这些行李箱承载着沉重的历史，象征着殖民化的负担，期间大象只是被利用的资源，它们的象牙成为奖杯或春药，尤其在亚洲备受珍视。此塔楼批判了人类的贪婪，欲望与支配为破坏壮丽物种辩护。积累的物品如同来自往昔时代的遗物，依然存在于我们的意识中，提醒我们这种剥削依然在继续，以新的经济殖民主义形式复苏。
塔楼二：被迫迁徙
在第二座塔楼的顶部，一只大象——“斯泰尔象”——稳稳地站在两个行李箱上，行李箱又置于一张很高的桌子上。这一强大的意象是大象的隐喻，它们像土著人民一样被迫迁徙，离开家园进入被限制的保护区。行李箱唤起了旅行与流亡的感受，象征着一种持续的位移状态，永远无法真正定居。作为雕塑的核心形象，斯泰尔象不仅代表这种被迫流亡，也象征着那些尽管被边缘化却依然为生存而斗争的尊严与韧性。近年来，大象对人类日益增强的攻击性在此被象征为对其栖息地侵占的绝望回应。
塔楼三：暴力的记忆
第三座塔楼上，二战的审讯椅引入了更直接的暴力元素。旋转的轮子激活高度敏感的麦克风，成为记忆的隐喻，展示暴力行为是如何被记录、捕捉，但又在时间中扭曲的。这把椅子作为一种酷刑与屈服的工具，成为痛苦记忆的座椅，每一次轮子的转动、每一次捕捉的声音，都是人类残酷的提醒。此塔楼暗示对自然施加的暴力也是对我们人性的暴力，这种暴力留下了不可磨灭的痕迹。
塔楼四：反抗的呐喊
第四座塔楼将捕捉到的声音复苏，转化为从斯泰尔象发出的反抗呐喊。通过一台旧收音机重新激活录制的声波，使大象能够鸣叫，被听到，主张其存在的权利。这一呐喊通过技术的放大，成为自然的抵抗隐喻，表明自然不会在不表达其痛苦的情况下被消灭。1930 年代的收音机，外观陈旧磨损，象征着这些声音与呐喊在不同年代中的持久性，如同一个拒绝消失的回声。
互动与参与的作品
《斯泰尔象》不仅仅是一件供人观赏的雕塑；它是一件积极与观众互动的作品。红色二极管、复苏的声音、熟悉但又转变的物体——这件雕塑中的一切都是为了挑衅、使观者停下思考。Stellest 利用拼贴不仅创造了一个简单的物品拼贴，而是构建了一个跨越时代与文化的复杂沉浸叙事。这是对殖民遗产的尖锐批判，是对人类在自然中位置的反思，是对集体责任的呼吁，以保护我们自然世界所剩无几的部分。
因此，《斯泰尔象》是一件扎根于过去并面向未来的作品，它提醒我们为自然生存的斗争也是我们人类生存的斗争。Stellest将他的生态关切与艺术才华结合，使这座雕塑成为一幅活生生的壁画，是对大象，以及由此延伸至整个自然的无声却强大的抵抗的纪念碑。
Thomas Kellner
斯泰尔鞋
Patrice Stellest 的《斯泰尔鞋》(Stelleshoes) 是一件机械动能雕塑，超越了单纯的功能性，成为人类运动的复杂寓言，反映了时间的流逝和文化传统在代际间的延续。这件作品是一次丰富多样的合作成果，结合了物理学家艺术家伯纳德·吉顿 (Bernard Gitton) 的智慧、他的助手西尔万·查博提 (Sylvain Chabouty) 的工艺以及匈牙利贵族孔基塔 (Conchita) 的个人历史，她在苏联入侵匈牙利后不得不重建自己的生活。
运动中的故事集合
《斯泰尔鞋》的核心是一系列各具特色的鞋子，每双鞋都承载着一个故事、一种文化、一段时代。从纽约的红色中国舞鞋到洛杉矶的白色婚鞋，再到意大利、法国和比利时的鞋模，这些鞋子形成了一个文化叙事的马赛克。每双鞋、每个模具，象征着一代人，一种传统，这些传统继续向前走，穿越时光，象征着人类在不断演变中前行。
这些鞋子并非仅仅展示；它们是被赋予生命的。当观众坐在精致雕刻的金属座椅上开始踩踏时，便激活了一个复杂的机制——这是一个由辛格 (Singer) 在世纪初制造的独特踏板系统。这个动作将机械力量传递给鞋子，鞋子开始走动。这个简单的行为使雕塑变成了一种互动体验，直接让观众参与到创作过程中。鞋子行走的声音，重现了脚步声、舞蹈声和共同快乐的时刻，成为伴随作品沉思的生动配乐。
象征与合作
Stellest、吉顿、查博提与孔基塔之间的合作为作品增添了额外的维度，将科学、艺术与个人记忆结合在一起。吉顿凭借其物理和机械方面的专业知识，为雕塑带来了科学的精确，而孔基塔的韧性与适应故事则为作品注入了人性深度。他们的贡献使《斯泰尔鞋》超越了艺术的边界，参与到对人类状况的更广泛反思中。
材料的选择——木材、金属和再生物品——为雕塑增添了丰富的质感，强化了人类是由其保存的物品和记忆所塑造的理念。鞋柜顶部的木质收音机的存在暗示了过去与现在之间的连接，过去的声音与今天的步伐之间的联系。
穿越时间的旅程
《斯泰尔鞋》是对运动与延续的沉思。鞋子，作为普通物品，在这里成为了对时间与记忆的诗意探索的载体。原地行走的它们提醒我们，时间从未停止，每一代人都留下了脚印，尽管它们似乎融入了下一代。那些跨越大陆和时代的鞋子，体现了曾穿着它们的人的故事——那些前行者的希望、快乐与悲伤，他们有时逆风而行，朝向不确定的未来。
通过踩踏，观众成为这一故事的一部分，成为时间不间断链条中的一环。鞋子在空间中共鸣的声音，回响着跟随我们的过去回声，即使我们向未来前进。
生动而互动的雕塑
最终，《斯泰尔鞋》不仅仅是一件供观赏的雕塑，而是一件需要体验、需要生活的作品。它邀请我们反思自己在时间延续中的位置，反思我们承载的传统，传承的故事。通过与观众的直接互动，它成为我们人性的镜子，提醒我们每一步都至关重要，每一次移动都为建设集体遗产作出贡献。
因此，Stellest 成功地创造了一件既亲密又普遍、既个人又集体的作品。《斯泰尔鞋》是对人类运动的颂歌，是对时间流逝和文化在岁月中韧性的庆祝。
运动中的故事集合
《斯泰尔鞋》的核心是一系列各具特色的鞋子，每双鞋都承载着一个故事、一种文化、一段时代。从纽约的红色中国舞鞋到洛杉矶的白色婚鞋，再到意大利、法国和比利时的鞋模，这些鞋子形成了一个文化叙事的马赛克。每双鞋、每个模具，象征着一代人，一种传统，这些传统继续向前走，穿越时光，象征着人类在不断演变中前行。
这些鞋子并非仅仅展示；它们是被赋予生命的。当观众坐在精致雕刻的金属座椅上开始踩踏时，便激活了一个复杂的机制——这是一个由辛格 (Singer) 在世纪初制造的独特踏板系统。这个动作将机械力量传递给鞋子，鞋子开始走动。这个简单的行为使雕塑变成了一种互动体验，直接让观众参与到创作过程中。鞋子行走的声音，重现了脚步声、舞蹈声和共同快乐的时刻，成为伴随作品沉思的生动配乐。
象征与合作
Stellest、吉顿、查博提与孔基塔之间的合作为作品增添了额外的维度，将科学、艺术与个人记忆结合在一起。吉顿凭借其物理和机械方面的专业知识，为雕塑带来了科学的精确，而孔基塔的韧性与适应故事则为作品注入了人性深度。他们的贡献使《斯泰尔鞋》超越了艺术的边界，参与到对人类状况的更广泛反思中。
材料的选择——木材、金属和再生物品——为雕塑增添了丰富的质感，强化了人类是由其保存的物品和记忆所塑造的理念。鞋柜顶部的木质收音机的存在暗示了过去与现在之间的连接，过去的声音与今天的步伐之间的联系。
穿越时间的旅程
《斯泰尔鞋》是对运动与延续的沉思。鞋子，作为普通物品，在这里成为了对时间与记忆的诗意探索的载体。原地行走的它们提醒我们，时间从未停止，每一代人都留下了脚印，尽管它们似乎融入了下一代。那些跨越大陆和时代的鞋子，体现了曾穿着它们的人的故事——那些前行者的希望、快乐与悲伤，他们有时逆风而行，朝向不确定的未来。
通过踩踏，观众成为这一故事的一部分，成为时间不间断链条中的一环。鞋子在空间中共鸣的声音，回响着跟随我们的过去回声，即使我们向未来前进。
生动而互动的雕塑
最终，《斯泰尔鞋》不仅仅是一件供观赏的雕塑，而是一件需要体验、需要生活的作品。它邀请我们反思自己在时间延续中的位置，反思我们承载的传统，传承的故事。通过与观众的直接互动，它成为我们人性的镜子，提醒我们每一步都至关重要，每一次移动都为建设集体遗产作出贡献。
因此，Stellest 成功地创造了一件既亲密又普遍、既个人又集体的作品。《斯泰尔鞋》是对人类运动的颂歌，是对时间流逝和文化在岁月中韧性的庆祝。
Thomas Kellner
你好，达丽电视
Patrice Stellest 的作品《你好，达丽电视》(Hello Dolly TV) 探索了技术异化与大众操控的主题，同时以尖锐的视角审视媒体与科学进步对当代社会的影响。
这座雕塑在 Candes Saint Martin 创作，得到了物理学家艺术家伯纳德·吉顿 (Bernard Gitton) 的合作，结合了流行文化元素和日常物品，转化为对一个知识工业化和图像无尽重复时代的批判性象征。中心作品是一台来自1960年代的老旧黄色酚醛树脂电视，成为一个时代的遗物，那时技术仍被视为美好未来的承诺。然而，这台现在已经失效和过时的电视，变成了一种反乌托邦的载体：它播放的图像无穷无尽，形成了一个催眠的循环，模拟了媒体消费的被动与麻木体验。
在这台屏幕前，一张破旧的沙发椅，上面滴落的油漆呈现出杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock) 的风格，暗示着人类的存在被削弱到一个被动旁观者的状态。流淌在椅子上的油漆既唤起自由艺术表达，又反映出现代性的潜在混乱，与电视所象征的控制与重复形成对比。
附在椅背上的“预克隆”人头是对首只克隆羊达丽 (Dolly) 这一标志性事件的直接致敬。这一克隆的隐喻不仅是生物学上的，也是意识形态上的：作品揭露了思想与行为的标准化现象，而这一现象因大众传播和媒体条件而愈加严重。克隆人象征着社会的同质化，个体性被媒体施加的预定义模型所从属。
放在电视旁边的毛绒羊进一步加强了这一类比，提醒我们大众常被比作羊，容易被操控，倾向于在没有批判性思维的情况下追随主流趋势。桌子则以经典设计与电视的现代性形成对比，突显了旧价值与现代技术的交汇。
最后，桌子上放置的吉坦香烟 (Gitanes) 包，作为集体想象中叛逆与不从的象征，在这里变成了一种讽刺的文物，唤起了一种在大众电视和克隆时代看似微不足道且无意义的叛逆。
《你好，达丽电视》是一件富含象征意义的作品，运用黑色幽默和物品的再利用，尖锐地批判了当代社会。Stellest质疑媒体塑造思维与同质化行为的能力，同时展望了一个技术可能使个体非人化的未来，在这个未来中，个体仅仅成为信息的被动接收者。这件雕塑既充满趣味又令人不安，邀请我们反思在一个日益被机器与图像主导的世界中的位置。
这座雕塑在 Candes Saint Martin 创作，得到了物理学家艺术家伯纳德·吉顿 (Bernard Gitton) 的合作，结合了流行文化元素和日常物品，转化为对一个知识工业化和图像无尽重复时代的批判性象征。中心作品是一台来自1960年代的老旧黄色酚醛树脂电视，成为一个时代的遗物，那时技术仍被视为美好未来的承诺。然而，这台现在已经失效和过时的电视，变成了一种反乌托邦的载体：它播放的图像无穷无尽，形成了一个催眠的循环，模拟了媒体消费的被动与麻木体验。
在这台屏幕前，一张破旧的沙发椅，上面滴落的油漆呈现出杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock) 的风格，暗示着人类的存在被削弱到一个被动旁观者的状态。流淌在椅子上的油漆既唤起自由艺术表达，又反映出现代性的潜在混乱，与电视所象征的控制与重复形成对比。
附在椅背上的“预克隆”人头是对首只克隆羊达丽 (Dolly) 这一标志性事件的直接致敬。这一克隆的隐喻不仅是生物学上的，也是意识形态上的：作品揭露了思想与行为的标准化现象，而这一现象因大众传播和媒体条件而愈加严重。克隆人象征着社会的同质化，个体性被媒体施加的预定义模型所从属。
放在电视旁边的毛绒羊进一步加强了这一类比，提醒我们大众常被比作羊，容易被操控，倾向于在没有批判性思维的情况下追随主流趋势。桌子则以经典设计与电视的现代性形成对比，突显了旧价值与现代技术的交汇。
最后，桌子上放置的吉坦香烟 (Gitanes) 包，作为集体想象中叛逆与不从的象征，在这里变成了一种讽刺的文物，唤起了一种在大众电视和克隆时代看似微不足道且无意义的叛逆。
《你好，达丽电视》是一件富含象征意义的作品，运用黑色幽默和物品的再利用，尖锐地批判了当代社会。Stellest质疑媒体塑造思维与同质化行为的能力，同时展望了一个技术可能使个体非人化的未来，在这个未来中，个体仅仅成为信息的被动接收者。这件雕塑既充满趣味又令人不安，邀请我们反思在一个日益被机器与图像主导的世界中的位置。
绿色婴儿机器
Patrice Stellest 的雕塑《绿色婴儿机器》(Green Babies Machine) 是一件在荒诞与预言之间摇摆的作品，一件既批判又乌托邦的艺术对象。这一创作灵感来源于一个微不足道的瞬间——在一家异国超市外看到的一个震动器——在艺术家的想象中，这一创作成为了对全球生态危机的讽刺和挑衅的回应。
这台机器是与马丁·布勒 (Martin Buller) 和马库斯·奥德马特 (Markus Odermatt) 合作的结果，他们都拥有源自瑞士机械大师的技术专长。该机器象征着工业化朝生态目标的重定向。用多种材料组装而成的雕塑，唤起了既原始又复杂的机制，令人联想起让·丁格利 (Jean Tinguely) 的动能作品，后者是其中一位合作者的精神导师。丁格利的影响在作品的结构中显而易见，似乎脆弱、摇摇欲坠，却在其荒诞性中又矛盾地功能齐全。
构成《绿色婴儿机器》的元素——一个轮子、一只铃铛、风格化的号角和一个阴茎状物体——都是从其原始用途改造而来的日常物品，成为一个奇幻机器的齿轮。
在Stellest的构思中，这台机器能够生产“绿色婴儿”，象征着未来的生态意识世代，这是地球生存的先决条件。
作品表面上的荒诞掩盖了对失控工业化及其后果的更深层反思。元素的选择及其排列在幽默与严肃之间、玩乐与警示之间创造了张力。Stellest玩弄对比，制造了雕塑的趣味性与其生态信息的严肃性之间的差距。创造过程结合了偶然性、意外和合作，反映了Stellest的艺术观：艺术必须是一场集体的冒险，开放于意外和跨学科的结合。
总之，《绿色婴儿机器》不仅仅是一座雕塑；它是对我们时代的尖锐讽刺，是一种“生态婴儿潮”的宣言，能够为地球生存提供机会。通过发掘幽默感、重新利用的意识和对机制的热情，Stellest交付了一件让我们反思未来世界的作品，同时轻轻嘲讽这一现实。
这台机器是与马丁·布勒 (Martin Buller) 和马库斯·奥德马特 (Markus Odermatt) 合作的结果，他们都拥有源自瑞士机械大师的技术专长。该机器象征着工业化朝生态目标的重定向。用多种材料组装而成的雕塑，唤起了既原始又复杂的机制，令人联想起让·丁格利 (Jean Tinguely) 的动能作品，后者是其中一位合作者的精神导师。丁格利的影响在作品的结构中显而易见，似乎脆弱、摇摇欲坠，却在其荒诞性中又矛盾地功能齐全。
构成《绿色婴儿机器》的元素——一个轮子、一只铃铛、风格化的号角和一个阴茎状物体——都是从其原始用途改造而来的日常物品，成为一个奇幻机器的齿轮。
在Stellest的构思中，这台机器能够生产“绿色婴儿”，象征着未来的生态意识世代，这是地球生存的先决条件。
作品表面上的荒诞掩盖了对失控工业化及其后果的更深层反思。元素的选择及其排列在幽默与严肃之间、玩乐与警示之间创造了张力。Stellest玩弄对比，制造了雕塑的趣味性与其生态信息的严肃性之间的差距。创造过程结合了偶然性、意外和合作，反映了Stellest的艺术观：艺术必须是一场集体的冒险，开放于意外和跨学科的结合。
总之，《绿色婴儿机器》不仅仅是一座雕塑；它是对我们时代的尖锐讽刺，是一种“生态婴儿潮”的宣言，能够为地球生存提供机会。通过发掘幽默感、重新利用的意识和对机制的热情，Stellest交付了一件让我们反思未来世界的作品，同时轻轻嘲讽这一现实。
星人
Patrice Stellest 的《星人》(Starman) 不仅仅是一座雕塑；它是地球、天空与人类之间深刻联系的有力寓言。星人以其纤细的轮廓骄傲地屹立，双臂伸展向天空，体现了宇宙与我们星球之间的媒介。这一角色，头部呈星形，象征着太阳，生命的源泉，以及普遍与光辉知识的象征。这颗星星不仅是装饰，它时刻提醒着我们与宇宙的内在联系。
超越其标志性的形态，星人是一个捕捉宇宙能量并将其引导回地球的宇宙形象。星人肩上的太阳能电池板吸收太阳能，这种重要且可再生的资源，再分配到地球上。这一看似简单的动作，实际上是对宇宙针灸的有力隐喻，一种想象中的实践，通过这种实践，宇宙能量被引导以治愈和重建我们的地球生态系统。
星人心脏的绿色光芒是雕塑的神经中心。这个充满活力的心脏象征着生命、再生以及早期人类的智慧，他们始终与自然和谐相处。这道绿色光芒提醒我们那些常被遗忘的祖先智慧，而这些智慧对于恢复人类与自然之间的和谐至关重要。
星人的形式简约，向希腊大师雕塑家科斯塔·库朗蒂亚诺斯 (Costa Coulentianos) 致敬。库朗蒂亚诺斯以其宏伟而流畅的作品闻名，教会了Stellest创作普遍、可接触且深邃形态的艺术。尽管星人的流畅动态线条简单，却传达出天空与大地之间相互连接与延续的复杂信息。这种流线型的美学使作品能够吸引广泛的观众，同时邀请人们对我们在宇宙中的位置进行深入思考。
在1980年代初创作的星人是Stellest作品中的标志性人物。这些善良的外星人，以星形头部为特征，肩负着清除地球暴力与污染的使命。他们象征着高层意识，守护着我们的星球，体现出一种保护与仁慈的力量。2010年，Stellest在他的短片《Stellest Genesis》中展示了这些角色，该片在全球赢得了多个奖项。这部影片进一步普及了星人的形象，强化了他们作为新生态意识时代大使的象征意义。
“星人”这一名称也向大卫·鲍伊 (David Bowie) 致敬，其同名歌曲唤起了来自星空的神秘人物，传递希望与转变的信息。通过采用这个名称，Stellest在音乐、艺术与科幻之间编织了一条联系，将他的作品融入到文化延续中，在这里，艺术成为社会与精神变革的载体。
星人不仅仅是一座雕塑，更是对人类的呼唤，提醒我们重新连接与自然的根基，记住我们的生存依赖于与宇宙和谐共处的能力。通过这件作品，Stellest 提醒我们所有人，我们是相互连接的，每一个动作、每一个行为都对保护我们的星球至关重要。凭借其美学、精神性与生态承诺，星人展现出作为一件重要作品的地位，成为Stellest在超越单纯沉思、成为转变与反思催化剂的艺术追求中的里程碑。
超越其标志性的形态，星人是一个捕捉宇宙能量并将其引导回地球的宇宙形象。星人肩上的太阳能电池板吸收太阳能，这种重要且可再生的资源，再分配到地球上。这一看似简单的动作，实际上是对宇宙针灸的有力隐喻，一种想象中的实践，通过这种实践，宇宙能量被引导以治愈和重建我们的地球生态系统。
星人心脏的绿色光芒是雕塑的神经中心。这个充满活力的心脏象征着生命、再生以及早期人类的智慧，他们始终与自然和谐相处。这道绿色光芒提醒我们那些常被遗忘的祖先智慧，而这些智慧对于恢复人类与自然之间的和谐至关重要。
星人的形式简约，向希腊大师雕塑家科斯塔·库朗蒂亚诺斯 (Costa Coulentianos) 致敬。库朗蒂亚诺斯以其宏伟而流畅的作品闻名，教会了Stellest创作普遍、可接触且深邃形态的艺术。尽管星人的流畅动态线条简单，却传达出天空与大地之间相互连接与延续的复杂信息。这种流线型的美学使作品能够吸引广泛的观众，同时邀请人们对我们在宇宙中的位置进行深入思考。
在1980年代初创作的星人是Stellest作品中的标志性人物。这些善良的外星人，以星形头部为特征，肩负着清除地球暴力与污染的使命。他们象征着高层意识，守护着我们的星球，体现出一种保护与仁慈的力量。2010年，Stellest在他的短片《Stellest Genesis》中展示了这些角色，该片在全球赢得了多个奖项。这部影片进一步普及了星人的形象，强化了他们作为新生态意识时代大使的象征意义。
“星人”这一名称也向大卫·鲍伊 (David Bowie) 致敬，其同名歌曲唤起了来自星空的神秘人物，传递希望与转变的信息。通过采用这个名称，Stellest在音乐、艺术与科幻之间编织了一条联系，将他的作品融入到文化延续中，在这里，艺术成为社会与精神变革的载体。
星人不仅仅是一座雕塑，更是对人类的呼唤，提醒我们重新连接与自然的根基，记住我们的生存依赖于与宇宙和谐共处的能力。通过这件作品，Stellest 提醒我们所有人，我们是相互连接的，每一个动作、每一个行为都对保护我们的星球至关重要。凭借其美学、精神性与生态承诺，星人展现出作为一件重要作品的地位，成为Stellest在超越单纯沉思、成为转变与反思催化剂的艺术追求中的里程碑。
天气时钟
Patrice Stellest 的《天气时钟》(Weather Clock) 体现了艺术与技术之间微妙的平衡，旨在成为环境警觉与气候变化意识的机制。这件雄伟的雕塑虽然形式上显得简单，却成为我们与自然脆弱关系的雄辩象征。其流畅而流线型的形状令人联想到标志性的现代主义雕塑，回忆起康斯坦丁·布朗库西 (Constantin Brâncuși) 等艺术家的影响，在纯粹和抽象的形态中承载着普遍的意义。但超越美学，《天气时钟》是一件深具互动性的作品，吸引观众和它所安装的环境。
雕塑的概念核心基于与气候的持续互动。通过与全球气象数据库相连的摆锤，《天气时钟》充当生态哨兵。摆锤在近距离可见，体现了气候平衡的脆弱与不稳定。只要温度保持在季节平均水平范围内，它便会平稳摆动，散发出绿色光芒，象征着自然处于平衡状态。
这一简单的摆动揭示了宇宙与地球之间的连续共鸣，展现了人类与自然力量之间的无声对话，而《天气时钟》则放大了这种对话。
然而，这种和谐是脆弱的。当气候异常发生——温度超过季节正常值——摆锤便停止摆动。这一静止标志着与自然平衡的象征性断裂，绿色光芒转变为红色，形成视觉与诗意的警报，立刻引起观众的注意。这一突如其来的停止与光线变化不仅仅是事实数据，而是关于应对气候变化迫切需要采取行动的普遍信息。
每天晚上8点，《天气时钟》都会进行一次每日评估。如果温度保持在正常范围内，一束明亮的绿色激光束将从雕塑顶部射出，向天空投射出生命、希望与延续的光芒。相反，如果温度超过正常阈值，一道红色光束将划破天空，成为气候破坏的醒目视觉标记。
这一光线的变化将作品转变为一个宇宙和生态时钟，提醒人类时间正在流逝，资源正在枯竭，采取行动刻不容缓。名字“天气时钟”本身便蕴含着紧迫感，提醒我们每一秒都至关重要。
完全符合他对与自然共存的艺术承诺，Stellest 为这座雕塑配备了太阳能电池板，从而将可持续与伦理的维度融入到他的创作中。《天气时钟》以阳光为能源，正是它所监测的同一能源，进一步强化了艺术、科学与环境之间的统一。这种能源自给自足提醒我们解决方案的存在，技术在明智使用时可以和谐地协调人类与地球的关系。
但《天气时钟》不仅是一座简单的雕塑，它体现了 Stellest 心中珍视的普遍针灸的概念。置于城市或乡村中，这座雕塑成为一种视觉标记，作为无声的守护者，直接向路人挑战生态紧迫性。每一座《天气时钟》都是一个能量点，一个不断发出的信号，艺术可以成为集体意识的载体。在其形式的优雅和技术的复杂性中，这件作品揭示了时间并非无限，我们的生存依赖于我们尊重与保护这一脆弱平衡的能力。
因此，Stellest 的《天气时钟》既是思考与行动的对象，也是将视觉美与明确环境使命结合在一起的作品。通过其复杂的设计与象征意义，它成为了一座超越时间的丰碑，艺术与技术联合在一起，唤醒意识，并以每一次摆动提醒我们环境的脆弱性和保护它的紧迫性。
雕塑的概念核心基于与气候的持续互动。通过与全球气象数据库相连的摆锤，《天气时钟》充当生态哨兵。摆锤在近距离可见，体现了气候平衡的脆弱与不稳定。只要温度保持在季节平均水平范围内，它便会平稳摆动，散发出绿色光芒，象征着自然处于平衡状态。
这一简单的摆动揭示了宇宙与地球之间的连续共鸣，展现了人类与自然力量之间的无声对话，而《天气时钟》则放大了这种对话。
然而，这种和谐是脆弱的。当气候异常发生——温度超过季节正常值——摆锤便停止摆动。这一静止标志着与自然平衡的象征性断裂，绿色光芒转变为红色，形成视觉与诗意的警报，立刻引起观众的注意。这一突如其来的停止与光线变化不仅仅是事实数据，而是关于应对气候变化迫切需要采取行动的普遍信息。
每天晚上8点，《天气时钟》都会进行一次每日评估。如果温度保持在正常范围内，一束明亮的绿色激光束将从雕塑顶部射出，向天空投射出生命、希望与延续的光芒。相反，如果温度超过正常阈值，一道红色光束将划破天空，成为气候破坏的醒目视觉标记。
这一光线的变化将作品转变为一个宇宙和生态时钟，提醒人类时间正在流逝，资源正在枯竭，采取行动刻不容缓。名字“天气时钟”本身便蕴含着紧迫感，提醒我们每一秒都至关重要。
完全符合他对与自然共存的艺术承诺，Stellest 为这座雕塑配备了太阳能电池板，从而将可持续与伦理的维度融入到他的创作中。《天气时钟》以阳光为能源，正是它所监测的同一能源，进一步强化了艺术、科学与环境之间的统一。这种能源自给自足提醒我们解决方案的存在，技术在明智使用时可以和谐地协调人类与地球的关系。
但《天气时钟》不仅是一座简单的雕塑，它体现了 Stellest 心中珍视的普遍针灸的概念。置于城市或乡村中，这座雕塑成为一种视觉标记，作为无声的守护者，直接向路人挑战生态紧迫性。每一座《天气时钟》都是一个能量点，一个不断发出的信号，艺术可以成为集体意识的载体。在其形式的优雅和技术的复杂性中，这件作品揭示了时间并非无限，我们的生存依赖于我们尊重与保护这一脆弱平衡的能力。
因此，Stellest 的《天气时钟》既是思考与行动的对象，也是将视觉美与明确环境使命结合在一起的作品。通过其复杂的设计与象征意义，它成为了一座超越时间的丰碑，艺术与技术联合在一起，唤醒意识，并以每一次摆动提醒我们环境的脆弱性和保护它的紧迫性。
